Недатированная
картина «Благовещение» (середина
1470-х годов, Уффици) была приписана Леонардо только в 19 в.; возможно, более
правильно было бы рассматривать ее как результат сотрудничества Леонардо и
Верроккьо. В ней есть несколько слабых моментов, например, слишком резкое
перспективное сокращение здания слева или плохо разработанное в перспективе
масштабное соотношение фигуры Богоматери и пюпитра.
|
Картина Верроккьо «Крещение» (Уффици) также не
датирована, хотя предположительно может быть помещена в первую половину
1470-х годов. Джорджо Вазари, один из первых биографов Леонардо, утверждает,
что он написал фигуру левого из двух ангелов, повернутого в профиль. Голова
ангела нежно моделирована светом и тенью, с мягким и тщательным изображением
фактуры поверхности, отличающимся от более линеарной трактовки ангела справа.
|
Кажется,
что участие Леонардо в этой картине распространилось и на туманный пейзаж с
изображением реки, и на некоторые части фигуры Христа, которые написаны маслом,
хотя в других частях картины использована темпера. Такое различие в технике
говорит о том, что Леонардо, скорее всего, закончил картину не дописанную Верроккьо;
вряд ли художники работали над ней одновременно [6; c. 322-401].
«Портрет Джиневры деи Бенчи» (около 1478, Вашингтон,
Национальная галерея) – возможно, первая картина Леонардо, написанная
самостоятельно. Доска обрезана примерно на 20 см снизу, так что исчезли
скрещенные руки молодой женщины (это известно из сравнения с сохранившимися
подражаниями этой картине). В этом портрете Леонардо не стремится проникнуть во
внутренний мир модели, однако как демонстрация прекрасного владения мягкой,
почти монохромной светотеневой моделировкой эта картина не имеет себе равных.
Сзади видны ветви можжевельника и подернутый влажной дымкой пейзаж [5; C. 216].
«Портрет Джиневры деи Бенчи» и «Мадонна Бенуа» (Санкт-Петербург, Эрмитаж),
которой предшествовала серия крошечных набросков «Мадонны с Младенцем»,
вероятно, являются последними картинами, законченными во Флоренции. Картину
«Мадонна Бенуа» только что завершивший обучение молодой художник Леонардо да
Винчи написал во Флоренции в конце семидесятых годов пятнадцатого столетия.
Когда Леонардо писал её, ему было двадцать шесть лет. К этому времени
художник обрёл уже совершенное мастерство в великом искусстве живописи,
которое, как мы увидим, он ставил выше всех прочих.
“Мадонна с цветком” (“Мадонна Бенуа”) – это хронологически первая мадонна,
образ которой внутренне лишён какой бы то ни было святости.
Мадонне придан вид несколько болезненной девушки, играющей со слишком крупным
младенцем, сидящим у неё на коленях. Своеобразный мертвенно-зелёный колорит,
подчёркнуто реалистическая трактовка человеческого тела, усиленное внимание к
изображению игры света и тени на отдельных частях тела, сложное положение
обеих фигур, - всё в этой картине показывает нам молодого Леонардо хотя и
ищущим ещё широкого свободного стиля, но уже твердо, ставшим на тот путь, по
которому он пойдёт в течение своей дальнейшей деятельности.
Обе фигуры, тесно вписанные в картину, заполняют собой почти без
остатка всю её поверхность, только справа, наверху расположено небольшое
стрельчатое окно, по-видимому, незаконченное художником. Надо думать, что он
предполагал поместить здесь свой излюбленный горный пейзаж с рекой,
напоминающий виды его родного Винчи, но, как обычно, затянул работу и,
перейдя к чему-нибудь другому, оставил эту деталь недоделанной.
Свет на фигуры в картине падает в основном слева, но очень возможно, что
именно небольшое окно и, вероятно, расположенные за ним горы и вода
определяют то, что помещение, в котором находится мадонна, освещено слабо и
притом своеобразным зеленоватым светом. Он окрашивает всё в зеленоватые тона,
бросает зеленоватые блики на обнажённые части тела, создаёт густые тени в
местах, более тёмных, заслонённых чем-нибудь от падающего из окна света.
Композиционным и идейным центром картины является переплетение трёх
рук: двух пухлых ручонок мальчика и нежной, девической руки матери, держащей
за стебель цветок, к которому направлены внимательный и ласковый взгляд
мадонны и пытливый, серьёзный взгляд младенца, пытающегося неловко схватить
цветок. Жажда познания, по-детски неосознанного, но не по-детски страстного,
того познания, которое томило и гнало вперёд Леонардо, выражено во всём
облике младенца. Взгляд зрителя невольно приковывается к смысловому центру
картины – переплетению трёх рук, изображённая в ней простая и скромная сцена
приобретает значительность и идейную глубину. Небольшая картина приковывает
внимание, заинтересовывает, волнует [1; c. 156-165].
В 1480 году Леонардо заключает с монахами монастыря Сан Донато а Скопе-то
договор на алтарный образ «Поклонения волхвов». Эта
картина, как и большинство леонардовских вещей, осталась неоконченной. Она
дошла до нас в виде коричневого подмалевка и хранится в настоящее время в
Уффици во Флоренции. По-видимому, мастер бросил над ней работать из-за своего
отъезда в 1482 году в Милан. «Поклонение волхвов» представляет собой большую
многофигурную композицию, к которой художник долго и тщательно готовился. Он
выполнил десятки предварительных набросков и рисунков, стремясь уточнить в
них не только общий композиционный замысел, но и движения, позы и жесты
отдельных фигур. Особенно его интересовали жесты, при помощи которых он
стремился передать различные психологические оттенки в переживаниях всех тех,
кто пришел поклониться младенцу. Он хотел преодолеть известную застылость и
психологическую скованность, свойственные большинству картин 15 века на эту
же тему, он поставил себе целью расширить рамки реализма, показав
разнообразную и противоречивую жизнь собравшихся людей. При этом характерно,
что в подготовительных набросках Леонардо дает почти все фигуры обнаженными. Тем
самым он облегчил себе возможность уяснить до конца тот или иной мотив
движения.
|
В «Поклонении
Волхов» показательно сосуществование двух различных тенденций. Окружающие
Мадонну фигуры, равно как и всадник второго плана. Представлены в сильном
движении и в состоянии глубокой душевной взволнованности: головы запрокинуты
назад, либо склоняются, жестикуляция полна подчеркнутой экспрессии. Здесь, без
сомнения, сказалось воздействие нервного, эмоционального искусства Боттичелли,
пользовавшегося в то время большим успехом при дворе Лоренцо Медичи. Скученная,
несколько перегруженная композиция, распадающаяся на две разобщенные
пространственные зоны, также связана еще с кваттрочентистскими традициями. На
живучесть последних указывают и фантастическая архитектура, и обладающие
слишком большой самостоятельностью отдельные детали второго плана, явно
рассчитанные на то, чтобы занять зрителя, перед которым художник блещет смелыми
ракурсами (фигуры сражающихся всадников справа, группа женщин со стариком,
идущая на зрителя лошадь и сидящая не лестнице мужская фигура в центре,
выезжающие из-под арки всадники с приближающейся к ним женщиной, обнаженные
юноши слева). В противоположность всем этим элементам, тяготеющим к более раним
традициям, группа мадонны с двумя коленопреклоненными волхвами обнаруживает
совсем иной характер. Фигуры образуют ту классическую по ясности своего
композиционного построения группу, которая целиком предвосхищает стиль высокого
Возрождения. Движения стали спокойнее, сдержаннее, композиционные линии
подверглись обобщению, исчезли скученность, граничившая с экзальтацией
эмоциональность, готическая угловатость жестов. Взамен всего этого Леонардо
дает замечательное по своей глубокой внутренней логике композиционное решение.
В основу последнего он кладет пирамиду. Ее вершина совпадает с головой Марии,
ее ниспадающие линии находят себе продолжение в фигурах коленопреклоненных
волхвов. Введенные художником по сторонам от Марии пространственные интервалы
усиливают значение мадонны и сидящего на ее коленях Христа как главных
действующих лиц всей сцены. Фигуры стоящих по краям старика и юноши замыкают
композицию с обеих сторон, благодаря чему она приобретает строгую архитектурную
упорядоченность [4; c. 38-39].
Неоконченный Св.
Иероним, очень близкий по стилю к Поклонению волхвов, также может быть
датирован временем около 1480. Эти картины одновременны первым из сохранившихся
набросков военных механизмов. Получив образование художника, но стремясь быть
военным инженером, Леонардо бросил работу над Поклонением волхвов и устремился
на поиски новых задач и новой жизни в Милан.
3. Зрелый
период творчества Леонардо да Винчи
Несмотря на то,
что Леонардо отправился в Милан в надежде на карьеру инженера, первым заказом,
который он получил в 1483, было изготовление части алтарного образа для капеллы
Непорочного зачатия – «Мадонна в гроте» (Лувр;
атрибуция кисти Леонардо более поздней версии из Лондонской Национальной
галереи оспаривается).
Коленопреклоненная
Мария смотрит на Младенца Христа и маленького Иоанна Крестителя, в то время как
ангел, указывающий на Иоанна, смотрит на зрителя. Фигуры расположены
треугольником, на переднем плане. Кажется, что фигуры отделены от зрителя
легкой дымкой, так называемым сфумато (расплывчатость и нечеткость контуров,
мягкая тень), которое отныне становится характерной чертой живописи
Леонардо. За ними в полутьме пещеры видны сталактиты и сталагмиты и
подернутые туманом медленно текущие воды. Пейзаж кажется фантастическим, однако
следует помнить утверждение Леонардо о том, что живопись – это наука. Как видно
из рисунков, одновременных картине, он основывался на тщательных наблюдениях
геологических явлений. Это относится и к изображению растений: можно не только
отождествить их с определенным видом, но и увидеть, что Леонардо знал о
свойстве растений поворачиваться к солнцу.
«Мадонна
Литта» — закончена несколькими годами позже "Мадонны Бенуа". На этот
раз художник избрал более строгий тип лица мадонны, выдержал картину в другой
красочной гамме, даже обратился снова к технике темперы, внеся в нее, впрочем,
ряд новых приемов (Леонардо постоянно проводил всевозможные эксперименты). Но
основной смысл, идейное содержание произведения то же, что и раньше: та же
человечность, та же любовь к подлинным, живым чувствам людей пронизывает все
произведение. Мать кормит ребенка грудью, устремив на него задумчивый нежный
взгляд; ребенок, полный здоровья и бессознательной энергии, двигается на руках
матери, вертится, перебирает ножками. Он похож на мать: такой же смуглый, с
таким же золотистым цветом полос. Она любуется им, погруженная в свои мысли,
сосредоточив на ребенке всю силу своих чувств. Даже беглый взгляд улавливает в
«Мадонне Литта» именно эту полноту чувств и сосредоточенность настроения. Но
если мы отдадим себе отчет в том, как добивается Леонардо этой выразительности,
то убедимся, что художник зрелого этапа Возрождения пользуется очень
обобщенным, очень лаконичным способом изображения. Лицо мадонны обращено к
зрителю в профиль; мы видим только один глаз, даже зрачок его не вырисован;
губы нельзя назвать улыбающимися, только тень в углу рта как бы намекает на
готовую возникнуть улыбку, и в то же время самый наклон головы, скользящие по
лицу тени, угадывающийся взгляд создают то впечатление одухотворенности,
которое Леонардо так любил и умел вызывать. Завершая этап долгих исканий в
искусстве Возрождения, художник на основе уверенного и точного воплощения
видимого создает поэтический образ, в котором отброшено случайное и мелкое,
выбраны те черты, которые помогают создать волнующее и возвышенное
представление о человеке. Леонардо да Винчи как бы сводит в одно целое
разрозненные усилия своих современников и, во многом их опережая, поднимает
итальянское искусство на новую ступень [7; c. 345-389].
В середине 1480-х
годов Леонардо написал картину «Дама с горностаем» (Краковский
музей), которая, возможно, является портретом фаворитки Лодовико Сфорца - Цецилии
Галлерани. В пользу этого предположения говорит белый зверек, которого она
держит на руках. Горностай заменял в старые времена кошек и был довольно широко
распространен в быту. Здесь этот зверек использован как эмблема Галлерани.
Леонардо очень любил подобные зашифрованные намеки на имена портретированных. С
замечательным искусством передал Леонардо тонкое, женственное лицо Цецилии,
которая изображена глядящей в сторону и как бы прислушивающейся к словам
невидимого собеседника. Великолепно написаны ее руки, в особенности, правая,
которую она гладит горностая и в которой так много индивидуального, что уже
одна деталь указывает на авторство выдающегося мастера. С большой
наблюдательностью передал Леонардо и кошачьи повадки белого зверька. Надо видеть
в подлиннике краковский портрет, чтобы убедиться в том, насколько тщательно
написана шерсть горностая, каждый волосок которой воспроизведен с почти
каллиграфической точностью [4; c. 47-48].
Живя в Милане,
Леонардо Винчи постоянно работал над проектом огромного конного
монумента Франческо Сфорца, отца Лодовико, который в законченном
виде должен был быть помещен на шестиметровый пьедестал и отлит из 90 т бронзы.
По иронии судьбы, вспомнившей об интересе Леонардо к военному делу,
предназначенная для памятника бронза была использована для отливки пушек, а его
глиняная модель была уничтожена в 1499 при вторжении французов.
Наиболее
прославленное произведение Леонардо — знаменитая “Тайная вечеря” в миланском
монастыре Санта Мария делла Грацие. Эта роспись, в настоящем своем виде
представляющая руину, была выполнена между 1495 — 1497 годами. Причина быстрой
порчи, дававшей о себе знать уже в 1517 году, заключалась в своеобразной технике,
сочетавшей масло с темперой.
В связи с “Тайной
вечерей” Вазари приводит в своем жизнеописании Леонардо забавный эпизод,
прекрасно характеризующий манеру работы художника и его острый язык.
Недовольный медлительностью Леонардо, приор монастыря настойчиво требовал от
него, чтобы он скорее закончил свое произведение. “Ему казалось странным
видеть, что Леонардо целую половину дня стоит погруженный в размышление. Он
хотел, чтобы художник не выпускал кисти из рук, наподобие того, как не
прекращают работу на огороде. Не ограничиваясь этим, он пожаловался герцогу и
так стал донимать его, что тот был вынужден послать за Леонардо и в деликатной
форме просить его взяться за работу, всячески давая при этом понять, что все
это он делает по настоянию приора”. Затеяв с герцогом разговор на общие
художественные темы, Леонардо затем указал ему, что он близок к окончанию
росписи и что ему остается написать лишь две головы — Христа и предателя Иуды.
“Эту последнюю голову он хотел бы еще поискать, но в конце концов, если он не
найдет ничего лучшего, он готов использовать голову этого самого приора, столь
навязчивого и нескромного. Это замечание весьма рассмешило герцога, сказавшего
ему, что он тысячу раз прав. Таким-то образом бедный смущенный приор продолжал
подгонять работу на огороде и оставил в покое Леонардо, который закончил голову
Иуды, оказавшуюся истинным воплощением предательства и бесчеловечности”.
К миланской
росписи Леонардо готовился тщательно и долго. Он выполнил множество набросков,
в которых изучал позы и жесты отдельных фигур. “Тайная вечеря” привлекла его не
своим догматическим содержанием, а возможностью развернуть перед зрителем
большую человеческую драму, показать различные характеры, вскрыть душевный мир
человека и точно и ясно обрисовать его переживания. Он воспринял “Тайную
вечерю” как сцену предательства и поставил себе целью внести в это традиционное
изображение то драматическое начало, благодаря которому оно приобрело бы совсем
новое эмоциональное звучание.
Обдумывая замысел
“Тайной вечери”, Леонардо не только выполнял наброски, но и записывал свои
мысли о действиях отдельных участников этой сцены: “Тот, который пил и поставил
кубок на место, обращает голову к говорящему, другой соединяет пальцы обеих рук
и с нахмуренными бровями взирает на своего сотоварища, другой показывает ладони
рук, приподнимает плечи к ушам и выражает ртом удивление...” В записи не
указаны имена апостолов, но Леонардо, по-видимому, ясно представлял себе
действия каждого из них и место, которое каждый призван был занять в общей композиции.
Уточняя в рисунках позы и жесты, он искал таких форм выражения, которые
вовлекли бы все фигуры в единый водоворот страстей. Он хотел запечатлеть в
образах апостолов живых людей, каждый из которых по-своему откликается на
происходящее событие.
Каждого из
учеников Леонардо трактует индивидуально. Подобно брошенному в воду камню,
порождающему все более расходящиеся по поверхности круги, слова Христа, упавшие
среди мертвой тишины, вызывают величайшее движение в собрании, за минуту до
того пребывавшем в состоянии полного покоя. Особенно импульсивно откликаются на
слова Христа те три апостола, которые сидят по его левую руку. Они образуют
неразрывную группу, проникнутую единой волей и единым движением. Молодой Филипп
вскочил с места, обращаясь с недоуменным вопросом к Христу, Иаков старший в
возмущении развел руками и откинулся несколько назад, Фома поднял руку вверх,
как бы стремясь отдать себе отчет в происходящем. Группа, расположенная по
другую сторону Христа, проникнута совершенно иным духом. Отделенная от
центральной фигуры значительным интервалом, она отличается несравненно большей
сдержанностью жестов. Представленный в резком повороте Иуда судорожно сжимает
кошель со сребрениками и со страхом смотрит на Христа; его затененный, уродливый,
грубый профиль контрастно противопоставлен ярко освещенному, прекрасному лицу
Иоанна, безвольно опустившего голову на плечо и спокойно сложившего руки на
столе. Между Иудой и Иоанном вклинивается голова Петра; наклонившись к Иоанну и
опершись левой рукой о его плечо, он что-то шепчет ему на ухо, в то время как
его правая рука решительно схватилась за меч, которым он хочет защитить своего
учителя. Сидящие около Петра три других апостола повернуты в профиль.
Пристально смотря на Христа, они как бы вопрошают его о виновнике
предательства. На противоположном конце стола представлена последняя группа из
трех фигур. Вытянувший по направлению к Христу руки Матфей с возмущением
обращается к пожилому Фаддею, как бы желая получить от него разъяснение всего
происходящего. Однако недоуменный жест последнего ясно показывает, что и тот
остается в неведении.
Далеко не
случайно Леонардо изобразил обе крайние фигуры, сидящие по краям стола, в
чистом профиле. Они замыкают с обеих сторон идущее от центра движение, выполняя
здесь ту же роль, которая принадлежала в “Поклонении волхвов” фигурам старика и
юноши, поставленных у самых краев картины. Но если психологические средства
выражения у Леонардо не поднимались в этом произведении ранней флорентийской
эпохи выше традиционного уровня, то в “Тайной вечере” они достигают такого
совершенства и глубины, равных которым напрасно было бы искать во всем
итальянском искусстве XV века. И это прекрасно понимали современники мастера,
воспринявшие “Тайную вечерю” Леонардо как новое слово п искусстве. Она поражала
и продолжает поражать не только правдивостью деталей, но и верностью “в
воспроизведении типичных характеров в типичных обстоятельствах”, т.е. тем, что
Энгельс считал основным признаком реализма [3; c. 211-214].
Деятельность
Леонардо да Винчи в первое десятилетие 16 в. была столь же разнообразной, как и
в другие периоды его жизни. Несмотря на увлечение математикой, он продолжал
заниматься живописью. В это время была создана картина Мадонна с Младенцем и
св. Анной, и около 1504 Леонардо начал работу над своей знаменитой картиной «Мона
Лиза», портретом жены флорентийского купца. «Мне удалось создать
картину действительно божественную». Так отзывался Леонардо да Винчи о женском
портрете, который вместе с «Тайной вечерей» считается увенчанием его
творчества. Над этим сравнительно небольших размеров портретом он проработал
четыре года.
Вот что пишет об
этой работе Вазари:
«Взялся Леонардо
выполнить для Франческо дель Джокондо портрет Моны Лизы, жены его.… Так как
Мона Лиза была очень красива, Леонардо прибег к следующему приему: во время
писания портрета он приглашал музыкантов, которые играли на лире и пели, и
шутов, которые постоянно поддерживали в ней веселое настроение». Все для того,
чтобы меланхолия не исказила ее черты.
Вазари писал о «Моне
Лизе»:
«Глаза имеют тот
блеск и ту влажность, которые постоянно наблюдаются у живого человека… Нос со
своими прекрасными отверстиями, розовыми и нежными, кажется живым. Рот…
представляется не сочетанием различных красок, а настоящей плотью… Улыбка столь
приятная, что, глядя на этот портрет, испытываешь более божественное, чем
человеческое, удовольствие.… Этот портрет был признан удивительным
произведением, ибо сама жизнь не может быть иной».
В оценке, которую
Вазари дает «Джоконде», - знаменательная, исполненная глубокого смысла
градация: все совсем как в действительности, но, глядя на эту действительность,
испытываешь некое новое высшее наслаждение, и кажется, что сама жизнь не может
быть иной. Другими словами: действительность, обретающая некое новое качество в
красоте, более совершенной, чем та, которая обычно доходит до нашего сознания,
красоте, которая есть творение художника, завершающего дело природы. И,
наслаждаясь этой красотой, по-новому воспринимаешь видимый мир, так что веришь:
он уже не должен, не может быть иным.
Это и есть магия
великого реалистического искусства Высокого Возрождения. Недаром так долго
трудился Леонардо над «Джокондой» в неустанном стремлении добиться
«совершенства над совершенством», и, кажется, он достиг этого.
Не представить
себе композиции более простой и ясной, более завершенной и гармоничной. Контуры
не исчезли, но опять-таки чудесно смягчены полусветом. Сложенные руки служат
как бы пьедесталом образу, а волнующая пристальность взгляда заостряется общим
спокойствием всей фигуры. Фантастический лунный пейзаж не случаен: плавные
извивы среди высоких скал перекликаются с пальцами в их мерном музыкальном
аккорде, и со складками одеяния, и с легкой накидкой на плече Моны Лизы. Все
живет и трепещет в ее фигуре, она подлинна, как сама жизнь. А на лице ее едва
играет улыбка, которая приковывает к себе зрителя силой, действительно
неудержимой. Эта улыбка особенно поразительна в контрасте с направленным на
зрителя бесстрастным, словно испытующим взглядом. В них мы видим и мудрость, и
лукавство, и высокомерие, значение какой-то тайны, как бы опыт всех предыдущих
тысячелетий человеческого бытия. Это не радостная улыбка зовущая к счастью. Это
та загадочная улыбка, которая сквозит во всем мироощущении Леонардо, в страхе и
желании, которые он испытывал перед входом в глубокую пещеру, манящую его среди
высоких скал. И кажется нам, будто эта улыбка разливается по всей картине,
обволакивает все тело этой женщины и ее высокий лоб, ее одеяние и лунный
пейзаж, чуть пронизывает коричневатую ткань платья с золотыми переливами и
дымно-изумрудное марево неба и скал. Эта женщина с властно заигрывающей на
неподвижном лице улыбкой как бы знает, помнит или предчувствует что-то, нам еще
недоступное. Она не кажется нам ни красивой, ни любящей, ни милосердной. Но,
взглянув на нее, мы попадаем под ее власть [8; c. 121-160].
Ученики и
последователи Леонардо много раз старались повторить улыбку Джоконды, так что
отблеск этой улыбки – как бы отличительная черта всей живописи, в основе
которой «леонардовское начало». Но именно только отблеск. Леонардовская улыбка,
одновременно мудрая, лукавая, насмешливая и манящая, часто становится даже у
лучших его последователей слащавой, жеманной, просто изысканной, порой даже
очаровательной, но в корне лишенной той неповторимой значительности, которой
наделил ее великий кудесник живописи.
Важнейший из
общественных заказов Леонардо был также связан с войной. В 1503, возможно по
настоянию Николо Макиавелли, он получил заказ на фреску размером примерно 6х15
м с изображением «Битвы при Ангъяри»
для зала Большого совета в палаццо делла Синьория во Флоренции. В добавление к
этой фреске должна была быть изображена Битва при Кашине, заказ на которую получил
Микеланджело; оба сюжета – героические победы Флоренции. Этот заказ позволил
двум художникам продолжить напряженное соперничество, начавшееся в 1501. Ни
одна из фресок не была закончена, поскольку оба художника вскоре уехали из
Флоренции, Леонардо – снова в Милан, а Микеланджело – в Рим; подготовительные
картоны не сохранились. В центре композиции Леонардо (известной по его
наброскам и копиям с очевидно законченной к тому времени центральной части) был
расположен эпизод с битвой за знамя, где всадники яростно бьются на мечах, а
под ногами их лошадей лежат упавшие воины. Судя по другим наброскам, композиция
должна была состоять из трех частей, с битвой за знамя в центре. Поскольку
ясных свидетельств не существует, сохранившиеся картины Леонардо и фрагменты
его записок позволяют думать, что битва была изображена на фоне равнинного
пейзажа с горной грядой на горизонте [7; c. 314-315].
4. Поздний
период творчества Леонардо да Винчи
Леонардо сделал
несколько набросков на сюжет Мадонна с Младенцем и св. Анной.
Впервые этот замысел возник во Флоренции. Возможно, около 1505 был создан
картон (Лондон, Национальная галерея), а в 1508 или несколько позже – картина,
находящаяся ныне в Лувре. На фоне цепи гор, возникающих из туманных испарений,
как бы постепенно придавая форму хаосу первоначального творения, вырисовывается
пирамидальная группа Святой Анны, Марии и младенца Христа, который тянет к себе
ягнёнка, символ будущей жертвенной миссии. Едва уловимая улыбка, играющая на
лицах персонажей, выражает общую настроенность композиции. В ней есть
прекрасные куски живописи (горы, группа с младенцем Христом, дерево справа),
однако они слабо связанны между собой и далеки от эмоционального, волнующего
собеседования, предстающего в лондонском картоне. Характерную леонардовскую
трактовку движения, сплетающего отдельные элементы в групповое построение –
замысел, безусловно, новаторский, оказавший влияние на последующих художников,
- мы находим в жесте Мадонны, призывающей к себе младенца, в то время как тот
тянется в сторону, стремясь играть с ягнёнком. Это незавершённое произведение
выполнено Леонардо в сотрудничестве с его учениками в период пребывания во
Флоренции в 1508 году. Оно было заказано для алтаря церкви Сантиссима
Аннунциат. Вместе с манускриптами и другими работами мастера картина перешла
после его смерти к Франческо Мельци. В 1629-1630 годах, во время войны с
Мантуей, она была найдена французами в Казале Монферрато. В1810 году картина экспонировалась
в парижском музее. Известны многочисленные реплики, написанные как художниками
круга Леонардо, так и мастерами, далёкими от его школы (например,
нидерландскими). Использованная Леонардо композиция нашла отражение в
творчестве живописцев, близких ему по времени: Мадонна Рафаэля и Святое
семейство (или Тондо Дони) Микеланджело, которые придерживаются схемы
построения, лежащей в основе данной картины. Это показывает, с каким интересом
относились современники к произведениям, созданным Леонардо [6; c. 420-428].
«Иоанн Креститель» (Лувр) изображает человека с
нежным улыбающимся лицом, которое появляется из полумрака фона; он обращается к
зрителю с пророчеством о пришествии Христа.
Тростниковый
крест и звериная шкура, прикрывают тело, указывают на то, что, на картине
изображен Иоанн Креститель, или Предтеча. Обращенный к небу указательный палец
его правой руки – ещё один мотив, связанный с иконографией этого святого,
пришедшего в мир, чтобы проповедовать покаяние, которое «расчистит путь»
грядущему явлению Мессии. На лице, выделенном светом, с острым овалом,
обрамлённом каскадом кудрявых волос, играет загадочная интригующая улыбка,
которая не согласуется с образом аскетического пророка, жившего в пустыне и
питавшегося саранчой и всякой дикой пищей. История этого произведения,
обнаруживающего то ли манерность, то ли поиска языка экспрессии, покрыта
тайной. В источниках оно не фигурирует под названием Иоанн Креститель: Вазари
говорит об «ангеле» из медичейских коллекций, приписывая его Леонардо, и в его
описании эта картина очень напоминает Иоанна Крестителя. Находившаяся около ста
лет в Англии, она затем перешла во владение французских королей. Это
произведение было переработано, возможно, самим мастером, а возможно, его
учениками. Можно думать, что первой идеей художника было изобразить
благовествующего ангела, если только это согласуется со странной фигурой,
вызывающей у зрителя скорей чувство неловкости, чем восторженного изумления. В
ней различим тот же дух иронии, что характерен для Джоконды, однако здесь
отсутствует пейзаж, на который могла бы проецироваться эта ирония, отражая
более сложные связи между человеком и природой. В силу этого Иоанн Креститель
производит на зрителя странное, даже двусмысленное впечатление. Между тем,
картина безусловно принадлежит к кругу работ Леонардо, а по своему замыслу
является одной из самых новаторских, поскольку в фигуре Святого Иоанна мастер
синтезировал свои поиски средств выражения чувств и природы человека в целом.
Перегруженный символикой и иллюзиями, этот образ, кажется, существует на грани
загадки и реальности. Доказательством его воздействия на современников
выступают многочисленные копии и варианты композиции, сохранившиеся до наших
дней. Исследователи датируют картину концом римского – началом французского
периода творчества Леонардо (1514 – 1516) [3; c.270-275] .
В
поздней серии рисунков «Потоп» (Виндзор, Королевская
библиотека) изображены катаклизмы, мощь тонн воды, ураганных ветров, скал и
деревьев, превращающихся в щепки в вихре бури. В записках содержится много
пассажей о Потопе, некоторые из них – поэтические, другие – бесстрастно
описательные, третьи – научно-исследовательские, в том смысле, что в них
трактуются такие проблемы, как вихревое движение воды в водовороте, его
мощность и траектория [1; C.412].
Для
Леонардо искусство и исследовательская деятельность были взаимодополняющими
аспектами постоянного стремления наблюдать и фиксировать внешний вид и
внутреннее устройство мира. Определенно можно утверждать, что он был первым
среди ученых, чьи исследования дополнялись занятиями искусством.
III ВЫВОДЫ
IV СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ
1)
Алпатов
М. «Всеобщая история искусства».- М.: Просвещение, 1979.- 488с.
2)
Брагина
Л. М. «Итальянский гуманизм: этические учения XIV-XV веков».- Москва. «Высшая
школа», 1977.- 455с.
3)
Вазинская
Т. Я. «Искусство».- Минск: «Лимариус», 1997.- 389с.
4)
Лазарев
В. Н. «Леонардо да Винчи».- Издательство академии наук СССР, Москва, 1952.-
237с.
5)
Лекції з
історії світової та вітчизняної культури: Навч. посібник. Вид. 2-ге, перероб. і
допов./ За ред. проф. А. Яртися та проф. В. Мельника.- Львів: Світ, 2005.-
568с.
6)
Любимов Л. «Искусство
Западной Европы».- М.: Издательство «НАУКА», 1975.- 562с.
7)
Мультимедийная
энциклопедия «ART. История искусств».- М.:
Омикрон, 1996.- 780c.
8)
Мультимедийная
энциклопедия «Леонардо да Винчи».- М.: E. M. M. E. Interactive, 1996.- 565c.
Похожие работы на - Жизнь и творчество Леонардо да Винчи
|